Después de ver la maravilla del “Fantastic Mr. Fox”, la cual ya hice su merecida reseña en el post anterior, pensaba que la próxima película de animación reciente que podría ir a ver seria alguna de Dreamworks o Pixar (para variar), pero en esas búsquedas por Taringa viendo que película podría bajar en uno de los post conseguí una copia DVD Full de la ultima película de Disney “La Princesa y el Sapo”, después de una larga lucha entre mi lógica y mi curiosidad (también estaba disponible “La Venganza de los Nerds”, mas de uno lo pensaría) gano la curiosidad y baje la película, la cual se merece su post respectivo.

La canción de la Venganza de los Nerds

“La Princesa y el Sapo” es el intento de Disney de volver a su estilo clásico de animación con el que crecimos la mayoría de las personas, digo mayoría porque ya podrá salir algún intenso y baboso que diga que no perdió su tiempo viendo Bambi y solo veía películas de Fellini y Bergman (conozco a un bestia que dice eso, en todas partes hay alguien así). El film es una eterna sensación de Deja Vu, cada escena, cada personaje, no hace sentir que ya lo hemos visto anteriormente, cosa que no le quita el merito a los de Disney, en una época en donde todos los Films son animación en computadora con gráficos casi híper realistas, de querer narrarnos una historia a la vieja escuela.

La historia gira en torno a Tiana, la típica joven afrodescendiente pobre y con el gran sueño de su vida que es tener su propio restaurante, el mismo de su padre que murió sin poder lograrlo. Tiana creció y ha sido amiga de la típica niña rica y mimada por su padre (el clásico contraste de personajes característico en todas las pelis de Disney). Un día llega a New Orleans el príncipe de un país que nunca entendí donde quedaba buscando casarse con una niña rica (la amiga de Tiana) ya que esta quebrado, y es donde hace su aparición nuestro villano de turno “El hombre de las sombras”, un negro experto en Voodoo y que canta hasta para ir al baño, el cual engaña al príncipe y lo convierte en sapo. El entonces gordito explotado por parte del príncipe muestra que siempre ha envidiado como le ha tratado el príncipe y toma su lugar gracias al hechicero. Para los que vieron el trailer y así evito cualquier Spoiler de la película verán que el sapo hace su aparición ante Tiana y le pide un beso, esta al no ser una princesa en lugar de volver al príncipe a la normalidad termina también convirtiéndose en una rana.









Ambientada en el New Orleans de los años 20 (en plena revolución del Jazz) lo que no va a faltar es canciones; para todo hay una canción, para el hechizo, para los sueños, para el príncipe, en fin, cual película de Disney hasta para ir al baño van cantando. Lo de volver al estilo de animación clásico se nota que resucitaron a un montón de los antiguos dibujantes de Disney que deben haber estado pasando todos estos años en cursos con la gente de Pixar. Ejemplo de eso es verle la cara al villano nuevo: “El hombre de las sombras”, ¿no se les parece a varios de los clásicos villanos de Disney en los 90? .

En algun retorcido
arbol genealogico estos deben ser primos o algo así

Hablando de villanos, es quizás de las cosas que más extrañaba de las películas de Disney, si hacen un recuento de las películas de Pixar ha hecho falta ese personaje carismático y que es tan difícil de olvidar por lo excelentemente trabajado inclusive desde un punto de vista actoral. Shere Khan con su voz de tenor y su confianza era un villano memorable; el Profesor Ratigan Némesis de Basil, el gran ratón detective, con ese estilo de villano a lo Sherlock Holmes (Basil vive también en la calle Baker, así que sabrán de que esta basada la historia) y no se puede dejar de nombrar a la maravillosa Cruella de Vil (hasta una canción tiene) y Ursula de la sirenita, estos si eran malos malosos de verdad. Y es acá donde aparece este “hombre de la sombras” para colocarse en un lugar importante entre los villanos de Disney. Es que el brother se las trae, un experto en Voodoo, tiene un pacto con los antiguos espíritus del mal (y no pide que transformen su cuerpo decadente), baila bien, canta bien y es un experto manipulando gente. Es intento de combinar las buenas características de los antiguos villanos en uno solo y el resultado no esta nada mal.


La princesa y el sapo **En el mas alla**

Con respecto a la película en general, muchas canciones, secuencias que recordaremos siempre y los personajes carismáticos (la luciérnaga y el cocodrilo son una nota), también mención importante es el doblaje al español latino. Muchos reconocerán algunas de las voces clásicas, y es que este siempre ha sido el gran acierto de Disney al traer las películas a nuestro idioma (el latino, porque el doblaje gallego es una porquería), al igual que como Baloo y Tomas O´Malley fueron doblados por el gran Tin Tan, en esta película muchos reconocerán como el padre de la amiga de Tiana es la misma de Pumba, o el Goofy de los años 60.

Como valoración final le colocaría un 6,8/10. La historia sigue faltándole la frescura de los verdaderos clásicos, y el diseño de arte parecen ser adaptaciones actuales de las películas de los 90 (el príncipe es una versión mejorada de Aladin). Igual es un muy buen experimento para nostálgicos y para que los mas nuevos en el mundo de Disney tengan una idea de cómo eran las películas que vieron tantas generaciones desde Blancanieves

En el post sobre The Wolfman contaba la experiencia tan desagradable que implica ir al cine acá en Mérida. Quizás sea la razón por la que siempre he evitado escribir de las películas en cartelera y escribo sobre todo de Films o temas que me parecen atractivos para los lectores de nuestro querido blog.
También pido disculpas por la semana de abandono, pero las luchas gremiales en pro de nuestro amado cine nacional me hicieron viajar a Caracas, lo cual aproveche para poder ir un día al cine y ver “Alicia en el país de las Maravillas” en 3D, razón del siguiente articulo. Me tocó ir a las 11 de la mañana para poder conseguir entradas para las 6:50 PM así que intuí que me esperaba una buena película o un muy buen resultado de mercadotecnia. Al finalizar el día me pareció un poco de lo uno y de lo otro.



Para evitar cualquier Spoiler con respecto a la historia prefiero copia y pegar la sinopsis que conseguí en una pagina antes de comenzar a hablar de mis impresiones sobre el film: Alicia (Mia Wasikowska), una joven de 19 años, asiste a una fiesta en una mansión victoriana, donde descubre que está a punto de recibir una propuesta de matrimonio frente a un montón de gente estirada de la alta sociedad. Alicia entonces se escapa, corriendo tras un conejo blanco, entra a un agujero tras él... y acaba en el país de las Maravillas, un lugar que visitó hace 10 años, pero el cual no recuerda. El país de las Maravillas era un reino pacífico hasta que la Reina Roja (Helena Bonham Carter) derrocó a su hermana, la Reina Blanca (Anne Hathaway). Las criaturas del país de las maravillas, listos para la revuelta, esperan que Alicia les ayude, y éstas a su vez le ayudarán a recordar su primera visita al mágico reino... Basada en el popular libro de Lewis Carroll, ambientada diez años después de los eventos contados en el mismo. (FILMAFFINITY)








Como buen amante de los videojuegos siempre me ha gustado como en los juegos japoneses, después de pasar 15 horas sufriendo y descubriendo esos guiones tan bien trabajados, al terminar la historia y durante los créditos nos muestran pequeñas secuencias donde se ve que están haciendo los héroes de la historia después de haber terminado el juego. Es algo que los occidentales deberíamos copiar, después de terminar la película muchas personas quedan con la duda de “que le habrá pasado a tal persona” (a menos que termine muerto como Tony Montana).

Kingdom Hearts Credits & Epilogue

Pues bien, Tim Burton nos responde a la gran duda que queda con respecto a Alicia, como creció esta niña que estuvo rodeada de gusanos fumando opio, un gato jalado, una liebre hiperactiva y un ratón con ojeras que vive en una tetera y esta en sobredosis de Valium. Y sin olvidar al clásico Sombrerero que ahora tiene un rol más protagónico y activo (que podemos esperar del actor Fetiche del Sr. Burton como es Johnny depp).


Es una película interesante que vale la pena verla y con un muy buen guión que no hará que salgan personas del cine maldiciendo los CINCUENTA BOLOS que cuesta una entrada en 3D. Quizás unas de las cosas en la que lamentablemente se empantana la película es que al ser una producción Disney el director habrá cedido considerablemente de su particular visión de la historia.
Los clásicos personajes vuelven (agradeciendo que la liebre sigue siendo una neurótica adicta al Crack) y el personaje del Sombrerero. Quizás la imagen mas representativa y que mas se ha divulgado sobre este film es johnny depp como el sombrerero loco (por ahí escuche que mas que un sombrerero es un payaso transformista); he de reconocer que no es su actuación más memorable pero tiene su encanto el ver como se prolonga y se conoce mas de este personaje al que todos recordamos como un demente en una fiesta del té cantando “Feliz feliz no cumpleaños, a ti te doy. Que la pases muy felices con dos tazas de buen té”.

Feliz no cumpleaños

También existe un mayor desarrollo de cada personaje, y que si algo tiene Tim Burton es su buen ojo para la selección y la dirección de sus actores. Aunque intento no dar muchos detalles con respecto al film, repito que es un film que se debe de ver antes de debatir sobre ella; el universo creado por el Sr. Burton, con su sello característico de los expresionistas alemanes, el “Wonderland” deja de ser llamado así para ahora conocerse como “Underland”.

En conclusión y colocando una nota para el film le colocaría un 7/10, aunque me gusto mucho la película y se sale de los estereotipos convencionales de las gringadas que nos venden continuamente, se siente al final que algo falta para ser una obra maestra como fue el clásico de Disney de 1951 en animación (y en hongos). Pero nos aclara la duda de muchos con respecto a que le paso a la querida Alicia después de volver a reencontrarse con Diana su gata.

Después de una larga búsqueda, y bastante paciencia para tenerlas todas, al fin logre conseguir las 6 películas de Star Trek con la tripulación de la serie original. Y puedo decir que valió la pena, que películas tan interesantes que contribuyen a comprender la profundidad del universo creado por Gene Rodenberry.

Es ahora el turno de comentar “Search for Spock”, la tercera de las películas y la primera que dirige Leonard Nimoy. Con el cambio de director y alguien con la personalidad de Nimoy, que es el actor que encarna a Spock para los poco conocedores, las historias ganan en profundidad y pasan de ser historias de acción en el espacio para convertirse en tragicomedias griegas.

Los queridos lectores que siguen este blog, recordaran que en el post sobre “Wrath of Khan” hacíamos referencia al sacrificio de Spock para salvar la nave de la explosión causada por Khan; en lo personal la muerte de Spock esta en mi Top 3 de muertes dramáticas en las películas, probablemente para muchos sea mas jodida y ruda que la muerte de la mamá de Bambi (a ver que bestia insensible dice que no lloró con eso).






La Muerte del Sr. Spock

Spock ha muerto y a pesar de haber sido una misión exitosa la tripulación del Enterprise no supera la muerte del viejo amigo; y para completar el Doctor Leonard McCoy sufre trastornos mentales y a tener sueños relacionados con Spock. Aparece el padre de Spock, Sarek, y les dice que el Katra de Spock reside en el cuerpo de McCoy y debe ser liberado en Vulcano para el descanso de su alma. Por la ultima batalla contra Khan la Enterprise esta muy dañada y será desmantelada, aparte Kirk no consigue el permiso para volar nuevamente la Enterprise para liberar el alma de Spock. La tripulación decide robar la Enterprise, en el camino a Vulcano reciben una llamada de auxilio de Génesis donde unos Klingon han secuestrado a la tripulación.

Al llegar a Génesis descubren que debido al proceso de creación y envejecimiento del planeta Spock se ha regenerado pero no tiene memoria y el proceso de envejecimiento va acorde con Génesis. Después de una lucha entre Kirk y el general Klingon Korg (interpretado por Christopher Lloyd) y el sacrificio de la Enterprise, la tripulación lleva a Spock a Vulcano, donde después de un ritual sagrado logran traspasar el Katra que reside en el Doctor McCoy a Spock.

Me parecía una decisión difícil como continuar esa película después de haber visto la muerte de Spock. Star Trek sin uno de sus personajes mas representativos es como ver Batman sin Batman, así que aumento mi curiosidad el titulo “Search for Spock” y las pistas que dejan en la segunda parte sobre el futuro del primer oficial Vulcano.

Esta película aumento el dinamismo de las secuencias de acción y le da más participación a los enemigos de la federación durante el periodo de la tripulación original: Los Klingon. Podemos ver mas de su tecnología, de sus costumbres y de su idioma. Siguiendo la tradición de “Wrath of Khan” se crea un villano carismático y representado por el ilustre Doc Emmett Brow (Christopher Lloyd).

Como mencione anteriormente los tintes de tragicomedia griega que le da Leonard Nimoy al film se nota constantemente, son hilarantes las secuencias donde el Doctor McCoy se le ve con los trastornos mentales causados por Spock y la trágica muerte del hijo de Kirk acentúan ese sentimiento de ver un film que quiere traspasar las barreras de simple historia de ciencia ficción.

De la mano de Leonard Nimoy sus compañeros de serie tuvieron la oportunidad de contribuir mas en la construcción de la historia y de desarrollar mucho mas sus personajes, cosa que se nota constantemente en los diálogos y secuencias del film. Leonard Nimoy se convierte en un tipo de culto y respetable para las personas con buen gusto. Preguntenle a Sheldon.


Leonard Nimoy en The Big Bang Theory


Quizás para muchos no sea la mejor de todas las películas enmarcadas en el universo de Star Trek (no me incluyo en ese grupo), pero si es una de las más profundas y mejor narradas, donde indagamos más en las distintas razas y vemos como cuando un actor se vincula de esa manera con un personaje y una historia los resultados pueden ser fascinantes. Leonard Nimoy realza cada detalle de los Vulcanos dándonos una referencia casi budista y epistemológica de la primera raza que hace contacto con la tierra después de la tercera guerra mundial (véase Star Trek: First Contact).

El documentalista considera que el reino imaginario de la ficción guarda una relación metafórica con la historia y la experiencia vivída, como una especie de nube traslucida y minuciosamente configurada que muestra contornos y formas, patrones y prácticas que se asemejan a las que nos encontramos en nuestras propias vidas. Es posible considerar al documental como una modalidad en la que esta nube de ficción ha vuelto a descender al nivel del suelo. No atrae al espectador tanto los personajes documentales y su destino como los actores sociales y el destino en si (o praxis social). No esta preparado para comprender una historia sino para entender un argumento. Lo hace en relación con sonidos e imágenes que tienen un nexo característico con el mundo que todos compartimos.


La mayoría de las películas documentales también adoptan muchas de las estrategias y estructuras de la narrativa, aunque no necesariamente las del largometraje como espectáculo de entretenimiento de masas. Agravando esta dificultad, muchas películas de ficción sobre “problemas sociales” se hacen con un objetivo tan cívico y socialmente responsable como el de muchos documentales. Por tanto el documental no identifica estructura ni propósito alguno que esté completamente ausente en la ficción o la narrativa. Los términos son un poco como nuestra distinción cotidiana, aunque nada rigurosa, entre frutas y vegetales.

Sin buscar agudizar el debate entre ficción y documental, esta reflexión parte de la necesidad de ubicar en el contexto histórico al que hacemos énfasis (el cine) en otra pugna que ya tiene mas de 2000 años y es el antecedente principal entre la lucha del director de ficción y el documentalista, el racionalista contra el empirista. Partiendo de esta premisa, es importante conocer las principales diferencias, aportes y representantes de ambas corrientes para poder comprender como estos movimientos fueron evolucionando. En el cine comenzó una fusión de estas teorías (en el caso del cine, géneros: documental y ficción) utilizando las características principales de cada uno para arribar a un genero totalmente nuevo. Antes de definir el resultado de esta fusión es importante comprender los pioneros de las teorías empíricas y racionalistas hasta llegar al juego mentira y verdad del falso documental. Cuando una mentira tiene el envoltorio de un documental, algo muy parecido a la verdad surge como por arte de magia. Los documentales falsos son un género hecho y derecho, que tiene disímiles resultados pero que ha sido abordado por los grandes maestros, como Orson Welles, Woody Allen y Peter Jackson.


Después de casi un siglo de la caverna de Platón, Aristóteles realizo gran énfasis en lo que es recibido por los sentidos, el saber obtenido mediante la experiencia, actuando contra el idealismo de Platón. Aristóteles aplicó el término filosofía natural a la labor de hacer sentido de la Naturaleza, usando lo que más adelante se llamaría razonamiento inductivo: mediante la observación repetida de acontecimientos u objetos de la misma índole se establece una conclusión sobre ellos. Esta teoría era opuesta al mundo de las ideas de Platón, que dependía de suposiciones a priori.

Aristóteles plantea el empirismo, pues considera que todas las filosofías y las ciencias tienen que partir de las experiencias, es decir, de las sensaciones que nos ofrece el mundo de la percepción y del conocimiento sensible. Desarrolló por primera vez en Occidente casi todas las ciencias naturales más importantes, tales como la física, la química, la geografía y las ciencias sociales más significativas como la ética, la política y el estudio de la sociedad.

Después de los descubrimientos científicos y geográficos de los siglos XVI y XVII, la concepción medieval del mundo se derrumbó. Sobre sus escombros renacen los embriones de visiones legadas por Platón y Aristóteles, y se terminan de definir y construir estas dos visiones, al parecer opuestas, pero a su vez complementarias. ¿Contradictorias? Depende del punto de vista, más bien hablan de cosas distintas: el empirismo y el racionalismo (o documental y ficción). Unos trataron de basar la filosofía en la experiencia, otros en la razón. Tal parece que los filósofos del primer bando eran científicos de lo que ahora se llaman ciencias suaves (biología, medicina), y los segundos de las llamadas ciencias duras (física, matemáticas). Es claro que los primeros se tenían que valer primero en la experiencia y los segundos primero en la razón, pero una no excluye a la otra. De hecho se necesitan mutuamente. Estos descubrimientos nacen con la ilustración, y es esta búsqueda de conocimientos y de buscar la representación de la realidad lo que llevo al hombre a un desarrollo continuo hasta arribar a la creación del cine.

La ultima vez que fui al cine acá en Mérida para ver algo comercial fue la era del hielo 3, y pensaba de esa fecha hasta ahora podría haber evolucionado en algo las instalaciones del cine en Mérida (ya que siempre pensé que cuando alquilaban las salas al festival de cine malandreaban todo y daban un mal servicio), pero me equivoque y de verdad el cine en Mérida va de mal en peor.

Para comenzar la cola llena de adolescentes con las hormonas locas que iban como ganado a ver “Día de los enamorados” y a hablar pestes de “Son de la calle” por el hecho de ser una película Venezolana. Mientras compraban las cotufas yo sobrevivía a los pubertos y entramos a ver la película. Muchos trailers de cualquier gringada (me pareció ver un remake del Perro Bombero o algo tipo Disney en decadencia) aunque he de mencionar el trailer de la nueva película de Nancy Meyers “It´s Complicated” la cual me pareció bastante divertida y con excelentes actores: Alec Baldwin, Steve Martin y la siempre fabulosa Meryl Streep.

Una publicidad sobre el ahorro de luz (generando carcajadas y critica de cualquier bestia inconciente) y comienza “The Wolfman”. La película comienza ubicándonos en una atmosfera lúgubre de la Inglaterra del siglo XVIII, Ben Talbot es asesinado misteriosamente lo que ocasiona que su hermano Lawrence Talbot, interpretado magistralmente por Benicio del Toro, regrese a su pueblo natal después de años de haberse marchado para averiguar sobre la muerte de su hermano. Es recibido por su padre, interpretado por Anthony Hopkins. Lawrence se entera de que algo salvaje, con una sed insaciable de sangre ha matado a muchos campesinos. Empieza a encajar las piezas del sangriento rompecabezas y descubre que existe una antigua maldición que convierte a las víctimas en hombres lobo las noches de luna llena. Para acabar con la carnicería y proteger a la mujer de la que se ha enamorado, Lawrence Talbot debe destruir a la temible criatura que se esconde en los bosques cercanos a Blackmoor.

Nuestro héroe es mordido por el hombre lobo, lo cual le convierte en lobo, esta la damisela enamorada que puede liberarle, etc etc. Cualquier cantidad de sucesos predecibles en una película, siempre resaltando las excelentes actuaciones como es el de la gitana Maleva interpretada por Geraldine Chaplin, a fin de cuentas es un remake del clásico de 1941 de Curt Siodmak.

Sobre la película he de decir que existen elementos muy interesantes, junto a las ya mencionadas actuaciones, como es el hecho de retomar el personaje del licántropo y darle la apariencia de la representación visual que se tiene del hombre lobo, con un buen maquillaje, y no la apariencia mas animal y animación por computadora que le dieron en Van Helsing. La edición esta muy buena, de parte de Walter Murch (tremendo tigre mató ese hombre) aunque los saltos de ejes son para terminar con ataques al miocardio.

Después de ser atacado por el Hombre Lobo y con la llegada del “héroe”, interpretada por Hugo Weaving, la película aumenta considerablemente el ritmo de narración. Un par de alucinaciones que hace que Benicio del Toro vea lo que parece ser el primo Gay Canadiense de Gollum y lo envían a un centro de rehabilitación psiquiatrica que hace que cualquier cárcel Venezolana parezca Dinamarca y es en esas secuencias donde se ve el estilo fabuloso de Murch al hacer un buen trabajo de edición.

No recuerdo a quien le escuche que una de las cosas que nos demuestra si una película en verdad la consideramos interesante es que si salimos del cine comentando sobre el film, de alguna forma capto nuestra atención, y todo lo contrario si al salir del cine se esta conversando de cualquier otra cosa.

Esta película logró lo primero, una conversa no tan larga sobre lo que acabamos de ver. La música de Danny Elfman cumple su labor, siempre ese estilo lúgubre que realza los buenos escenarios, la edición y sobre todo los horribles saltos de eje (no puedo dejar de imaginarme a Walter Murch maldiciendo al director mientras montaba los horrores de raccord).

Hay actores que cuando hacen una buena actuación previa parece imposible dejar de etiquetarlos por películas pasadas. Hugo Weaving va a morir siendo el Agente Smith, en este film es imposible dejar de imaginárselo como un Agente Smith del siglo XVIII; y Anthony Hopkins citando Shakespeare y tocando piano no deja de parecer una prolongación (y mal hecha) de Hannibal Lecter mientras tocaba las variaciones Goldberg teniendo fotos de Clarice como partituras.

Ya que es tan común eso de ponerle notas a una película diría que tiene un 6,5/10. Por las actuaciones, fotografía (aunque parece un plagio no tan gris de “Sleppy Hollow”) y el trabajo sonoro. Y al cine en Mérida la nota es de -25, botamos un sweater y a los 3 minutos ya se lo habían robado, las cornetas parecen reconstruidas de las que utilizaba Lusinchi en sus discursos. Así que por favor los de Cinex, mejoren eso porque ya lo que da es lastima ir a los cines.